Salisburgo: Salonen e Sellars, la vertigine dell’addio

One Morning Turns into an Eternity non è solo un titolo suggestivo: è la chiave di lettura di un programma che accosta due pietre miliari della modernità e le trasforma in un viaggio interiore, dove dolore e collera si sciolgono in rivelazione e trascendenza.
Un percorso che parte dall’allucinazione dell’attesa, attraversa il silenzio denso di Webern e si chiude nell’addio sospeso di Mahler, restituendo tre volti della Vienna d’inizio secolo – e tre modi di affrontare il limite dell’esperienza umana.

Tra il 1908 e il 1911 –  questo l’arco temporale dell’impaginato – Vienna vive un momento di intensità culturale irripetibile e già carico di presagi: la Secessione ha infranto i canoni accademici, Klimt avvolge i corpi in ori che sembrano già sarcofagi, Kokoschka e Schiele frantumano la figura umana, Freud scava nei sogni e nelle zone rimosse della coscienza.

Nella musica, Schönberg, Webern e Mahler, ciascuno a suo modo, disgregano le forme ottocentesche e immaginano nuove architetture del suono e del tempo.

In questo clima, l’angoscia dell’attesa, il silenzio come presenza e l’addio come consapevolezza suprema diventano non solo temi poetici, ma categorie estetiche condivise.

Il “dittico con intermezzo” proposto da Peter Sellars, coadiuvato dal drammaturgo Antonio Cuenca insieme al sempre più “ad astra” Esa-Pekka Salonen – e con i Wiener Philharmoniker in serata dí grazia – raccoglie tre opere di quegli anni e le dispone in un arco narrativo compatto, un piano sequenza che diviene un’unica meditazione sulla fine e sulla trasformazione.

Erwartung (1909) di Schönberg è il primo varco: un flusso continuo senza ripetizioni tematiche, un viaggio interiore scandito da paesaggi mentali più che da eventi esteriori. Peter Sellars ne colloca l’azione in uno spazio spoglio, costruito da George Tsypin come un bosco geometrico di strutture verticali, alberi di metallo, e vuoti prospettici. Le luci inquiete di James F. Ingalls frammentano lo spazio disegnando ombre generatrici di interrogativi incalzanti, isolando la protagonista o immergendola in un buio compatto.

La Donna in attesa riceve una body bag portata da due fattorini; sa benissimo chi ci sia dentro e dunque l’attesa non ha senso se non all’interno di un percorso tutto interiore di elaborazione e disperata accettazione.

Ausrine Stundyte – custode gelosa di uno Sprechgesang cesellato e attrice superba – affronta la scrittura con una chiarezza vocale che non rinuncia mai ad una ricerca espressiva vividissima: il lfraseggio è saldo le inflessioni prosodiche scolpiscono ogni parola, il passaggio tra registri.
Salonen guida l’orchestra con lucidità analitica e tensione dinamica continua, tenendo a fuoco i dettagli contrappuntistici e garantendo alla voce un sostegno costante senza sommergerla nei momenti di massima densità.

I Cinque pezzi per orchestra op. 10 (1911) di Webern riducono ulteriormente la materia: forme brevissime, quasi aforismi sonori, in cui ogni gesto è isolato e ogni pausa è carica di senso.

Salonen li affronta come microstrutture autonome ma interconnesse, curando la cesellatura di ogni attacco e la precisione degli smorzandi. I Wiener, padroni di un controllo millimetrico dei piani, passano da suoni impalpabili a brevi slanci con naturalezza assoluta, cosicché in questa lettura, i silenzi diventano veri luoghi di tensione, sospesi tra ciò che si è appena spento e ciò che sta per nascere.

Con “Der Abschied”da Das Lied von der Erde (1908–09), Mahler chiude idealmente il percorso.

È un addio che non si risolve in dramma, ma in uno stato di quiete malinconica.

Sellars porta in scena l’altra donna , quella della Speranza che prende su di sé la Disperazione e la stempera sino a farla scomparire: il bosco di metallo è lo stesso, l’atmosfera si capovolge.

Fleur Barron, sublime deuteragonista, canta con timbro scuro e vellutato, uniforme su tutta la gamma, respirando la musica , evitando ogni retorica, las che il testo trovi il proprio peso nel dialogo col flauto denso e lontano di Karlheniz Schütz.

Qui Salonen, fedele a una lettura priva di eccessi emotivi, raggiunge vette dí indescrivibile intensità mantenendo il discorso musicale in un flusso continuo, facendo emergere i dettagli orchestrali – il canto dei legni, i bagliori dell’arpa, le dissolvenze degli archi – come parti di un unico organismo sonoro.

La coda, con il ripetuto “ewig”, si spegne in un silenzio prolungato che non appare come conclusione, ma come apertura verso uno spazio ulteriore; il pubblico, silenzioso e concentrato come raramente accade, si scioglie in un applauso intenso e lunghissimo, consapevole di essere stato parte di una serata da annoverare tra quelle memorabili.

Alessandro Cammarano
(15 agosto 2025)

Deutsche Übersetztung

Salzburg: Salonen und Sellars – der Schwindel des Abschieds

Von Alessandro Cammarano (15. August 2025)

One Morning Turns into an Eternity ist nicht nur ein suggestiver Titel, sondern zugleich der Schlüssel zu einem Programm, das zwei Grundsteine der musikalischen Moderne miteinander verknüpft und sie in eine innere Reise verwandelt, auf der Schmerz und Zorn sich in Offenbarung und Transzendenz auflösen.

Ein Weg, der von der Halluzination des Wartens ausgeht, durch Weberns schweigende Dichte führt und sich in Mahlers schwebendem Abschied vollendet: drei Gesichter des Wien um 1900 – und drei Weisen, die Grenzen menschlicher Erfahrung zu berühren.

Zwischen 1908 und 1911 spannt sich dieser Bogen. Wien lebt in diesen Jahren eine kulturelle Intensität, die unwiederholbar bleibt und zugleich vom Vorzeichen des Untergangs durchdrungen ist: Die Secession zertrümmert akademische Konventionen, Klimt hüllt Körper in Gold, das bereits wie Sarkophag glänzt, Kokoschka und Schiele zerreißen die menschliche Figur, Freud legt die verdrängten Zonen des Traums und des Unbewussten frei.

In der Musik dekonstruieren Schönberg, Webern und Mahler auf je eigene Weise die Formen des 19. Jahrhunderts und entwerfen neue Architekturen von Klang und Zeit. In diesem Klima werden Erwartung, Schweigen und Abschied nicht nur poetische Themen, sondern ästhetische Kategorien.

Peter Sellars – unterstützt vom Dramaturgen Antonio Cuenca und begleitet vom immer strahlenderen ad astra Esa-Pekka Salonen – formt mit den Wiener Philharmonikern einen „Diptychon mit Intermezzo“. Drei Werke jener Jahre verschmelzen zu einem geschlossenen Narrativ, einer Art filmischer Plansequenz, die sich als Meditation über Vergänglichkeit und Verwandlung entfaltet.

Schönbergs Erwartung (1909) eröffnet den Zyklus: ein unaufhörlicher Fluss ohne thematische Wiederkehr, ein innerer Monolog, bestimmt von mentalen Landschaften statt äußerer Handlung. Sellars platziert das Geschehen in einem kahlen Raum, den George Tsypin als geometrischen Wald aus vertikalen Metallstämmen und perspektivischen Leerräumen entworfen hat. James F. Ingalls’ unruhige Lichtregie zerschneidet den Raum, wirft Fragen auf, isoliert die Protagonistin oder versenkt sie in kompaktes Dunkel.

Die wartende Frau empfängt einen Leichensack, hereingetragen von zwei Boten; sie weiß, wer darin liegt – das Warten ist folglich kein äußeres, sondern der Beginn einer inneren Passage von Verarbeitung und verzweifelter Akzeptanz.

Ausrine Stundyte – eine eifersüchtige Hüterin eines sorgfältig gemeißelten Sprechgesangs und zugleich eine darstellerische Ausnahmegestalt – führt die Partie mit stimmlicher Klarheit und glühender Ausdruckskraft. Ihre Phrasierung bleibt standhaft, ihre prosodischen Schattierungen gravieren jede Silbe, der Registerwechsel vollzieht sich mit organischer Konsequenz.

Salonen lenkt das Orchester mit analytischer Hellsichtigkeit und ununterbrochener Spannung, bewahrt den kontrapunktischen Detailreichtum und gibt der Stimme stets tragfähigen Boden, ohne sie im orchestralen Überschwang zu erdrücken.

Weberns Fünf Stücke für Orchester op. 10 (1911) reduzieren die musikalische Materie auf das Äußerste: Miniaturen, fast aphoristische Gebilde, in denen jeder Klang isoliert, jede Pause bedeutungsschwer ist.

Salonen behandelt sie als autonome, zugleich subtil miteinander verwobene Mikrokosmen, präzise im Ansatz, delikat im Verklingen. Die Wiener, Meister eines mikroskopischen Klangkontrolls, lassen den Atem von flüchtigen Hauchgeräuschen bis zu eruptiven Ausbrüchen mit vollkommener Natürlichkeit fließen. So werden die Pausen zu Orten höchster Spannung – Schwebezustände zwischen Vergangenem und Kommendem.

Mit dem „Abschied“ aus Mahlers Das Lied von der Erde (1908–09) schließt sich der Kreis. Ein Adieu, das sich nicht in Dramatik entlädt, sondern in melancholische Ruhe übergeht.

Sellars führt eine zweite Frau auf die Bühne – die Gestalt der Hoffnung, die die Verzweiflung aufnimmt und sie so lange mildert, bis sie sich verflüchtigt. Der metallene Wald bleibt, doch die Atmosphäre kehrt sich ins Gegenteil.

Fleur Barron, erlesene Deuterin und Mitstreiterin der Stundyte, singt mit dunkel samtigem Timbre, einheitlich über die ganze Lage, atmend in der Musik, fern aller Rhetorik. Der Text findet sein Gewicht im Dialog mit Karlheinz Schütz’ fernem, dichtem Flötenton.

Salonen, einer emotionalen Überladung abhold, erreicht hier eine Intensität, die sich kaum beschreiben lässt: ein fortlaufender Strom, in dem die orchestralen Details – das Lied der Holzbläser, das Aufblitzen der Harfe, das Verlöschen der Streicher – Teil eines organischen Ganzen werden.

Das Finale, mit dem sich wiederholenden „ewig“, versiegt in einem gedehnten Schweigen, das nicht als Schluss, sondern als Öffnung in einen anderen Raum wirkt. Das Publikum – ungewöhnlich still und konzentriert – löst sich danach in langanhaltenden, tief empfundenen Beifall auf: das sichere Zeichen einer Aufführung, die in Erinnerung bleiben wird.