Salisburgo: cronache dal Festival di Pasqua

Alla ricerca dell’eterno

“Tradizione e rinnovamento” era il titolo immaginario che aleggiava sui Salzburger Osterfestspiele 2026. E sì: a posteriori, i Salzburger Osterfestspiele 2026 hanno oscillato tra sinfonia, oratorio e opulenza orchestrale e vocale: Die Schöpfung di Joseph Haydn (1796/98), la Symphonie fantastique di Hector Berlioz (1830), il Concerto per violino di Max Bruch (1866/68), l’Ottava Sinfonia di Antonín Dvořák (1890).

“La magia abita in ogni inizio…” — Hermann Hesse (Stufen, 1941)

Momenti felici ebbero inizio con Das Rheingold di Richard Wagner come fulcro. Il Ring wagneriano può essere inteso come una monumentale grande sinfonia: Das Rheingold come primo movimento con tema ed esposizione, Die Walküre come secondo movimento, un adagio, Siegfried come terzo movimento, uno scherzo, e Götterdämmerung come quarto movimento, il finale. Così inteso, l’insieme delle opere scelte per gli Osterfestspiele di quest’anno si è collocato sotto il segno degli inizi — e della ricerca dell’eterno nell’arte. Non siamo forse tutti, in qualche misura, sedotti dalla magia degli inizi? Da quel momento in cui l’arte, un incontro, sospende il tempo stesso?

Il privilegio di sospendere il tempo, postulò un giorno il poeta olandese di fama mondiale Cees Nooteboom, appartiene ai maestri. Ripercorriamo ancora una volta le opere dei poeti musicali Haydn, Berlioz e Mahler.

Con Die Schöpfung di Haydn, capolavoro che contempla con umiltà la creazione del mondo, occhio e orecchio si addentrano nell’età dei Lumi. L’umanità prende coscienza di se stessa. “La Lumière”, la luce, avvolge l’aurora di una nuova era. La Schöpfung di Haydn vive proprio di questo spirito. Nel 1791, dopo trent’anni alla corte degli Esterházy, Haydn si recò in Inghilterra come compositore libero in seguito alla morte del suo mecenate e signore, il principe Nikolaus Esterházy. Là fu accolto con entusiasmo. I britannici veneravano Haydn e lo celebravano come lo “Shakespeare della musica”.

L’entusiasmo di Haydn per l’oratorio nella sua lingua originale fu destato dal diplomatico olandese-austriaco, amante dell’arte e appassionato del barocco, il barone Gottfried van Swieten (1733–1803), che aveva ascoltato gli oratori händeliani durante i suoi incarichi a Londra e Berlino. Come collezionista di numerose partiture di maestri barocchi, van Swieten, rientrato a Vienna, diede vita dal 1782 a opulenti soirée nel suo appartamento in Renngasse, ponendo al centro le opere di Bach e Händel. A dirigere le serate pubbliche dedicate agli oratori di Händel era nientemeno che Wolfgang Amadeus Mozart, che nel 1789/90 arrangiò e orchestrò Acis e Galatea, il Messiah, Alexander’s Feast e l’Ode per Santa Cecilia del compositore britannico.

Dopo il viaggio a Londra, l’entusiasmo per l’opera di Händel non abbandonò più Haydn. Nel 1795, rientrato a Vienna, Haydn si rivolse a van Swieten con l’idea e i testi per un oratorio sulla creazione ispirato all’epopea Paradise Lost di John Milton (1608–1674). Van Swieten elaborò con slancio un libretto incentrato sui primi sei giorni della creazione, composto di testi biblici (Genesi, Salmi) e di passi del Paradise Lost miltoniano. Anni dopo avrebbe fornito anche i testi per l’oratorio di Haydn Le stagioni.

Il 29 e 30 aprile 1798 ebbero luogo le prime esecuzioni della Schöpfung tra grandi acclamazioni, nel palazzo del principe Schwarzenberg a Vienna. La prima esecuzione pubblica seguì nel marzo 1799 al Burgtheater di Vienna. Il pubblico fu travolto dall’entusiasmo. Haydn stesso diresse il suo oratorio, mentre il Kapellmeister di corte Salieri suonò il clavicembalo. “Bisogna versare tenere lacrime sulla grandezza, la maestà e la bontà di Dio. L’anima è esaltata”, scrisse la principessa Eleonore von Liechtenstein alla figlia. Johann Friedrich Reichardt esaltò la seconda esecuzione berlinese dell’oratorio nella Allgemeine musikalische Zeitung nel gennaio 1801 come “… una vera fantasia di un grande spirito…”.

Anche il pubblico del “miracolo oratoriale della Schöpfung” visse entusiasmo e suoni spiritualmente e sensualmente belli con il direttore britannico Daniel Harding, i Berliner Philharmoniker, il Coro della Radio Bavarese (preparato da Peter Dijkstra) e tre magnifici solisti nella Grande Sala del Festspielhaus di Salisburgo. Il coro, di suono finemente sfumato eppure potente, sempre intessuto nella genesi musicale del mondo, si affianca ai tre arcangeli che commentano e narrano il divenire biblico. Le arie, che evocano gli oratori e le opere barocche, sono brevi ma radiosamente incisive. Il loro culmine è di norma un efficace inno corale di lode.

Dal caos primordiale, con tremiti, tumulti e gesti eruptivi — a differenza del mormorio immobile del mi bemolle maggiore iniziale del Rheingold wagneriano — un luminoso do maggiore porta nell’universo i primi raggi di luce. Il mondo si contempla vedendo la luce. Illuminismo nella sua forma più pura. Coscienza di sé. Daniel Harding dirige il cosmo di pittura sonora haydniana con rigore sensibile e strutturato alla guida dei Berliner Philharmoniker, ricchi di sfumature e di grande intensità emotiva.

Tra l’eccezionale trio di solisti — Andrew Staples (tenore/Uriele), Hanna-Elisabeth Müller (soprano/Gabriele, Eva) e Konstantin Krimmel (basso-baritono/Raffaele, Adamo) — fu soprattutto il calore balsámico del canto di Konstantin Krimmel a conquistare il pubblico. Un interprete d’eccezione nello stile e nella tradizione di Hermann Prey. Una serata di pura trascendenza. Grande opera nelle vesti di un oratorio che celebra un inizio speranzoso del mondo, ancora privo della Caduta.

Una vita d’artista tradotta in suono come romanzo dell’antieroe — ovvero: l’Io precipita nella follia amorosa

Anche uno dei più innovativi romantici francesi cedette alla magia degli inizi: Hector Berlioz. Con la sua Symphonie fantastique, incarna per eccellenza l’artista che ha consacrato la propria anima compositiva al “Romanticismo nero”. Era davvero così, o lo leggiamo soltanto in ogni testo dedicato al genio francese del rinnovamento, instancabile cercatore di suoni inauditi e di strumenti appena inventati, ingegnosamente congegnati? Berlioz ha lasciato un monumentale trattato sull’orchestrazione, che non altri se non Richard Strauss ha poi ampliato e revisionato.

Stendhal (Marie-Henri Beyle), nella sua opera De l’amour del 1822, ha descritto con precisione assoluta il processo psicologico dell’innamoramento. Egli ritrae il percorso del sentimento amoroso, il primo istante del provare qualcosa per l’altro, l’inizio dell’amore, in termini decisamente romantici. Stendhal chiama “cristallizzazione” la fase in cui la fantasia comincia a idealizzare la persona amata, attribuendole qualità nuove e perfette. Non è così per Berlioz: la sua cristallizzazione genera l’idée fixe. Dalla sua ossessiva infatuazione per la celebrata attrice shakespeariana irlandese Harriet Smithson, Berlioz accende un fuoco artistico interiore. La sua sinfonia in cinque movimenti è un eccesso di corpo, cuore e anima colato in suono. Con meticolosa precisione, Berlioz — che commentava ossessivamente ogni aspetto del suo processo compositivo, anch’essa una forma di ossessione — raffigura un amore che precipita nel delirio dell’oppio, in cui la donna amata, trasformata in una “cristallizzazione” distorta, danza nell’ultimo movimento al sabba delle streghe, avvolta da suoni medievali del Dies irae e da una melodia di clarinetto grottescamente leitmotivica.

“La melodia amata riappare ancora una volta, ma ha perduto il suo carattere nobile e pudico ed è diventata null’altro che una volgare melodia da ballo, triviale e grottesca”, commenta Berlioz questo epilogo di lugubre bellezza. Prima di allora, l’idée fixe, risuonando come il motivo del desiderio di Harriet, percorre come un fantasma fatto di suono tutti e quattro i movimenti precedenti della sinfonia. Berlioz sembra mettere a nudo musicalmente il lato notturno e oscuro del suo io interiore, rivestendo il sonno che genera spettri di un abito sonoro immanente alla sua volontà espressiva. Secondo Pierre Boulez, uno dei più profondi interpreti dell’opera di Berlioz, i contemporanei del compositore lo accusarono di “gigantismo”, di una predilezione per effetti sgargianti e per una brillantezza posticcia. Oggi però Berlioz è senza dubbio considerato un fantasista, un visionario e un pioniere nell’esplorazione delle caratteristiche specifiche dei nuovi strumenti musicali e delle loro combinazioni compositive. Ed è, senza ombra di dubbio, il precursore e il creatore della musica a programma classico-romantica.

Se eravamo già inebriati dalle tracce di musica a programma nella Schöpfung haydniana — quando gli insetti ronzavano tra nuvole in movimento (tremoli degli archi), quando “i vermi sul suolo” si trascinavano lentamente, oppure quando aquila e leone — le insegne araldiche della famiglia imperiale asburgica — risuonavano in forma oratoriale — la Symphonie fantastique, fantasmatica e buia, smarrita nel sogno, ci ha precipitato sotto la direzione esuberante, musicalmente raffinata e profondamente commovente di Tugan Sokhiev in un mondo del tutto diverso e misterioso. Divenire e dissoluzione, nascita di una semplice idea, amore che sboccia, ricerca del perduto di compimento e percezione — forse ancora una volta la ricerca dell’eterno insita nell’idée fixe — tutto questo Sokhiev bilancia con soulful precision sonora. Con i Berliner Philharmoniker di straordinaria espressività, persino il grottesco suona affettuoso, mentre l’opulenza del grande finale, il sabba delle streghe, diventa spaventosamente bella.

Fantasie arcadiche e sonorità boema

Tugan Sokhiev ha celebrato la massima concentrazione sul suono e sull’intensità cromatica delle voci orchestrali in dialogo con il violino solista nel Primo Concerto per violino di Bruch insieme alla violinista Janine Jansen, insignita del Premio Herbert von Karajan degli Osterfestspiele di Salisburgo. Grandi archi rapsodici, scale vellutate e scintillanti e una profonda musicalità hanno contraddistinto l’interpretazione tecnicamente brillante di questa violinista d’eccezione. Jansen suona interamente a partire dal suo centro di gravità fluttuante: delicata e potente al tempo stesso. Travolgente! Bruch, che aveva in origine voluto intitolare “Fantasia” la sua opera di gran lunga più popolare, fu convinto dal leggendario violinista Joseph Joachim a designarla come concerto per violino.

Nell’Ottava Sinfonia di Antonín Dvořák, il direttore e la Be Phil Orchestra hanno trasportato il pubblico del Giovedì Santo in sfere rurali e arcadiche. L’Ottava Sinfonia di Dvořák, meno nota — prima che il compositore entrasse in America in territori sinfonici inesplorati con la Nona — è un’opera che respira le inflessioni del linguaggio musicale boemo, in cui possiamo innamorarci senza riserve. Sokhiev lascia al terzo movimento, l’Allegretto grazioso vivace e arioso, libero spazio per respirare, danzare ed esultare. Atmosfericamente, questo movimento ci trasporta in un altro mondo, lasciandoci trasformati e consapevoli di ciò che amiamo. Applausi frenetici e grande entusiasmo hanno accolto entrambi i concerti con il direttore Tugan Sokhiev, la violinista Janine Jansen e i Berliner Philharmoniker di magica e incantatoria bellezza, insieme alla Be Phil Orchestra.

Barbara Röder